房树人心理测试画, 专家老师解析, 绘画艺术欣赏方法

导读：本文讲述了一位房树人的心理测试画，他对外的沟通性很强，有自己的秘密，对外的防御性较强；对家庭或婚姻的幸福感略有不满；房子画的不是真正的房子，说明他的外部感情生活很丰富；成长环境较好，但经历过几次严重的创伤，希望得到权威的指引；生活方面向往未来，活在未来；有一定的依赖感，希望得到权威的指引；对自己的意见较为坚持；艺术欣赏与个人的修养、社会人生的认识、感受能力、领悟能力、理解能力紧密联系在一起。文章还介绍了绘画艺术的欣赏方法，包括多看作品、看原作到美术馆、博物馆去，确定自己欣赏绘画的信心，不要有偏见，采取积极理解、努力探索的态度，以及从纵向和横向看各国的绘画面貌。文章呼吁人们在欣赏艺术时要敞开自己的视野，尊重自己的审美趣味，不断深化欣赏层次，达到最佳审美境界。如下为有关房树人心理测试画, 专家老师解析, 绘画艺术欣赏方法的文章内容，供大家参考。

1、房树人的心理测试画，求专家老师解析。

1、对外的沟通性可以，但是有自己的秘密，对外的防御性较强；

2、对家庭或者婚姻的幸福感感到稍有不满；

3、房子画的是你家真实房子吗？（如果不是，你的外部感情生活很丰富）

4、成长环境较好，但是有点磕绊，经历过几次严重的创伤（因不知道具体年龄，创伤时间待定）；

5、生活方面向往未来，活在未来；

6、有一定依赖感，希望得到权威的指引；

7、对自己的意见较为坚持；

未完待续。。。。。。

2、绘画艺术的欣赏方法有哪些

很难找出严格的、科学的、立竿见影的方法。因为绘画的欣赏，造型艺术的欣赏，乃至一切艺术的欣赏，和一个人的修养、对社会人生的认识、感受能力、领悟能力、理解能力紧密联系在一起。

至于说要注意哪些问题，概括地说：

一 多看作品、看原作

到美术馆、博物馆去看

看不懂多看几遍

看什么？

西方绘画重视形式，中国绘画重视神韵。

二 要确定自己欣赏绘画的信心

三 不要有偏见，对绘画作品要以理解的态度加以品评

个人喜好不一定是科学的，不要有先入为主的成见。要采取积极理解、努力探索的态度。

四 把握整个绘画历史发展的基本脉络，及每个时代代表作品的艺术特征

面对绘画作品，实际上是面对历史、时代和艺术家思想感情的化石。

1、从纵向看

① 西方绘画

古希腊、罗马时期：

以神话人物和现实英雄人物为主要题材，绘画风格高度典雅，和谐。

中世纪时期：

以描写《圣经》故事为主要题材，多见于教堂装饰，绘画风格严肃，人物刻画僵硬、呆板。

文艺复兴时期：

重现古希腊、罗马的光辉，绘画重又描写现实和人生，油画走向成熟。

十七十八世纪时期和近、现代：

出现更多流派性的发展。

② 中国绘画

汉代之前：装饰性绘画（画家名不见经传）

汉代至唐代：

绘画走向繁荣，并以工笔绘画为主

五代、两宋：

绘画风格转折，花鸟、山水画逐渐独立出来，确定了自己的发展趋势。

2、从横向看

各国的绘画面貌在时代风格的统一中存在各自的面貌。

五 培养艺术形式感觉

绘画欣赏是与面对作品全貌的瞬间同时进行的。

欣赏者感觉的敏锐度与含量决定了欣赏层次。

要求欣赏者具备对绘画形式语言的感受力。

包括：

线条（描绘实体、暗示气势与动向、展现生机、表现感情）

形体（△—稳定、平衡；○—和谐；□—秩序、静态）

色彩（绿色—和谐、宁静；红色—激烈、昂扬；黑色—悲哀）

绘画艺术的语言主要有线条、形体、色彩，此外还有色调、动感、笔触、体量感等。这些语言在描绘形象和表现画家的情感方面均有其特殊功效。如线条在西画中用以把握实体感觉，在中国画里则用以暗示物象的骨格、气势与动向；形体除表现具体物象的形貌外，还表现它所暗示的情感倾向；色彩的冷暖和丰富性给人以多种联想。画家正是利用线条的韵律、形体的写实性和象征性的融合，以及“色彩关系”的变化来赋予作品丰富的内涵。我们则可以借助它们来解读作品，深入领略画作的寓意，并展开自持的想象，进入“再创造”的欣赏佳境。

六 在欣赏时要尊重自己的审美趣味，尊重自己的想象与联想

摆脱陈规与公式的拘束，敞开自己的视野；

借助自己的想象与联想；

不断深化欣赏层次；

达到心旷神怡的最佳审美境界。

3、学前儿童需要掌握的绘画基本技能有哪几个方面

熟练的画直线 我个人认为：

绘画需要的是对于：形体与色彩的，认知→理解→把握→运用，这样一个技能掌握过程。

但是对于儿童，过早的学习这些条条框框，会束缚住他们的想象力和创造力。

所以这个阶段，只学技艺技法，暂时不要求严格塑造。

举例如下：

你可以教他怎么准确地画出直线和曲线，但他用直线或曲线画什么可以引导，但不要干涉。

你可以教他怎么调颜色，颜色+颜色=那种颜色；但他表现什么，可以引导，但不要干涉。

至于引导，也不是你告诉他什么该是什么，而是领着他到自然中去观察，让他自己做判断。

这个阶段除了对环境的认知，也是自我世界观的形成期，所以过程中他的情绪更为重要。

他一定是快乐的，愉悦的，幸福的，坚强的，明是非，礼貌的....丧失这些基础，技艺再好也是徒劳。

优秀的作品，源自于：心态 + 环境 + 环境中所要表现的对象 与 绘画者的沟通与交流。

举例如下：

我今天精力旺盛心情愉悦 + 阳光灿烂鲜花盛开 + 我特别喜爱那朵黄玫瑰，我想画下来。（黄玫瑰说：我亮艳如阳光，我清新带露，美丽安静。）

这就是绘画中的表现欲、创作欲，也就是所谓的兴趣爱好。

还有一点至关重要！就是不要用成人的世界观去干涉孩子的认知。

比方说：

大人多数都很厌烦下雨天，心理上：拒绝被淋湿，拒绝赤脚涉水。

但孩子却相反，他会有一种到雨中的渴望，喜欢雨，喜欢嬉水。

你该怎样选择呢？我认为，适当的满足他这些愿望很重要。

老话怎么说的？....没有经历风雨的温室花朵.....人人都明白，但非人人能做到。

4、素描有哪些要素？

由木炭，铅笔，钢笔等，以线条来画出物象明暗的单色画，称做素描。单色水彩和单色油画也可以算作素描；中国传统的白描和水墨画也可以称之为素描。通常讲的素描多元化指铅笔画和炭笔画。素描是一切绘画的基础，这是研究绘画艺术所必须经过的一个阶段。

素描通常采用可于平面留下痕迹的方法：如蜡笔，炭笔，钢笔，画笔，墨水，及纸张等，其它还包括在湿濡的陶土，沾了墨水的布条，金属，石器，容器或布的表面所造成的磨损。 轮廓和线条是素描的一般称谓。素描具备了自然律动感。不同的笔触营造出不同的线条及横切关系和节奏、主动与被动的周围环境、平面、体积、色调、及质感。

素描是一种正式的艺术创作，以单色线条来表现直观世界中的事物，亦可以表达思想、概念、态度、感情、幻想、象征甚至抽象形式。它不像带色彩的绘画那样重视总体和彩色，而是着重结构和形式。

（1）线和线条技法

素描的要素是线，但是线在实质上却是不存在的，它只代表物体、颜色和平面的边界，用来作为物体的幻觉表现。直到近代，线才被人们认为是形式的自发要素，并且独立于被描绘的物体之外。

（2）用线条来组成物体的形象

素描是用线条来组成物体的形象，并且描绘于平面之上，藉由线条形式引起观者的联想。例如两条线相交所构成的角形，可以被认为是某平面的边界；另外加上第三条线可以在画面上造成立体感。弧形的线条可以象征拱顶，交会聚集的线条可表现深度。人们可以从线条的变化当中，得到可以领会的形象。因此透过线条的手段，单纯的轮廓勾勒可以发展成精致的素描。

（3）用线条区分立体与平面

在素描中可以用线条区分立体与平面，至于色彩明暗是为了加强和分清整体与部分的关系。我们可以运用线条的开始，消失和中断来画出边界，并且形成平面，也可使色彩至边界而上。线条的粗细能表现物体的变化，甚至光和影也可用线条的笔触变化表现出来。

（4）平面技法的辅助

素描的线条技法还需要平面技法的辅助。平面技法在使用炭粉笔时，在明暗对照上可用擦笔法。

（5）毛笔画法的使用

更重要的是使用毛笔画法，因为毛笔能发挥笔触的宽度和笔调的强度并且能增加空间感和立体感。

（6）艺术性的加强

素描也可用多色画笔作为基本材料，用来加强素描效果以及素描的艺术性。

（1）：以肖像和风景为主

素描原是为绘画、雕刻等艺术服务的，后因其流畅、充实和美观，发展成为独立的艺术。其题材可以取自任何事物，不受拘束，一般以肖像和风景为主，而西方的素描常是人物和静物。

（2）：日常生活、抽象素描、艺术性建筑素描

１９世纪出现了以日常生活为题材的素描。其它还有想象和抽象素描、艺术性建筑素描等。

（3）：立体派、表现主义、超现实主义素描

２０世纪的素描似乎是反映不安、动荡和科学进步的。其中一些以表现线条豪放为特色。还有一些画家试图把生活纳入几何图形中 (立体派)。 在２０世纪各流派中也有X射线式的技法，即同时看到外部和内部。表现主义画家追求"表现一个场面的感情而不是描绘事物的现实外表"，超现实主义者则着重表现潜意识心理。

（4）：实用性和技术性素描

实用素描要清晰地记载一件客观事物，从总体上说，它不重审美，而突出技术设计。实用素描包括为科学目的而作的插图与说明。很多艺术家作过科学说明的素描。文学作品中的素描插图，一般是为某段文字描写而作的图画说明，但因它表现了画家特有笔法风格，至今还享有崇高的艺术声誉。与此相关的还有漫画，这是用于社会批评而创作的一种假定性图画。并由此而发展成连环图画，进而演变成现代卡通动画片。

5、绘画心理学 图画分析 请各位懂的指点一下，谢谢

从画的大意上来看，绘画者在绘画时的心情很低落，很孤独，想表达的主题是形容自己一个人在抗衡，一个人在争取，没有任何外力在帮助。

但也不排除一种可能，就是随手涂鸦，因为在表达自己心理的时候，会非常在意细节，会通过细节去表述自己的心情感受，当我们在这幅画中看到的，不知道是风还是雨，显得非常大，但花和叶子的方向并没有随着风雨的方向而倾斜，所以，也有可能是随手涂鸦。

6、画画最需要有的心态是什么？

要有动力 要有想法

光有耐心还是不够的

需要你的灵光一闪

在画面中逐渐发现你认为有趣的东西

把它表达出来

尝试不同的方法

运用多种的手段

心态可以多样

画面可以反映你的心态

你可以激情 也可以浪漫

可以愤怒 也可以忧郁

但要理智的对待你的画面

要控制得住

不是表面的表现

比如说

表现你现在心情的压抑

不是涂鸦

而是有组织的 有预见性的去安排你的画面里的元素

从而达到你想要达到的

这些东西 在写实绘画里体现的很少

考前的东西··· 基本功吧 好画好画 不单是耐心的心态 呵呵

7、美术包括哪几类?重点分析！

分为纯艺术类，和设计类。

纯艺术类要有深厚的专业基础（就业范围小），设计类标准稍低。

纯艺术类较好的学校有：央美，国美，等

设计类的一般是综合类大学：清华，等

美术是以物质材料为媒介,塑造可观的静止的，占据一定平面或立体空间的艺术形象的艺术．表现作者思想感情的一种社会意识形态，同时也是一种生产形态．

通常指绘画、雕塑、工艺美术、建筑艺术等在空间开展的、表态的、诉之于人们视觉的一种艺术。十七世纪欧洲开始使用这一名称时 ，，泛指具有美学意义的绘画、雕刻、文学、音乐等。我“五四”前后开始普遍应用这一名词时，也具有相当于整个艺术的涵义。例如鲁迅在一九一三年解释“美术”一词时写道：“美术为词……译自英之爱忒。爱忒云者，原出希腊，其谊为艺。随后不久，我国另以“艺术”，一词翻译“爱忒”，“美术”一词便成为专指绘画等视觉艺术的名称了。

1、绘画

绘画是造型艺术中最主要的一种艺术形式。它是指运用线条、色彩和形体等艺术语言，通过造型、设色和构图等艺术手段，在二维空间(即平面)里塑造出静态的视觉形象，以表达作者审美感受的艺术形式。绘画种类繁多，从不同的角度可将它划分为不同的类别。从地域看，绘画可分为东方绘画和西洋绘画；从工具材料看，绘画可分为水墨画、油画、版画、水彩画、水粉画等；从题材内容看，绘画可分为人物画、风景画、静物画、动物画等；从作品的形式看，绘画可分为壁画、年画、连环画、漫画、宣传画、插图等。不同类别的绘画形式，由于各自的历史传统不同，都有着各自独特的表现形式与审美特征。中国画又称水墨画，它在世界绘画领域中自成体系，独具特色，是东方绘画体系的主流。在工具材料上，中国画是用毛笔、墨在宣纸、绢帛上作画的，它讲究笔墨，着眼于用笔墨造型。在表现方法上，中国画采用一种散点透视的方法。在画面的构成上，中国画讲究诗、书、画、印交相辉映，形成独特的形式美与内容美。油画是西洋绘画的代表，它是世界绘画艺术中最有影响的画种。

在工具材料上，油画是用油质颜料在布、木板或厚纸板上画成的。在表现方法上，传统的油画家采用焦点透视法作画。在画面构成上，它讲究画面景物充实，按自然的秩序布满画面，呈现出自然的真实境界可雕刻和塑造的物质材料制作出具有实体形象、以表达思想感情的一种艺术形式。雕塑的种类可以从不同角度来划分。从制作工艺来分，雕塑可分为雕和塑。雕是从完整而坚固的坯体上把多余部分删削、挖凿掉，如石雕、木雕、玉雕等，塑是用具有粘结性的材料联接、构成为所需要的形体，如泥塑、陶塑等。从题材来分，雕塑可分为纪念性雕塑、建筑装饰性雕塑、城市园林雕塑、宗教雕塑、陵墓雕塑、陈列性雕塑。从表现形式来

2、雕塑

雕塑是用可雕刻和塑造的物质材料制作出具有实体形象、以表达思想感情的一种艺术形式。雕塑的种类可以从不同角度来划分。从制作工艺来分，雕塑可分为雕和塑。雕是从完整而坚固的坯体上把多余部分删削、挖凿掉，如石雕、木雕、玉雕等，塑是用具有粘结性的材料联接、构成为所需要的形体，如泥塑、陶塑等。从题材来分，雕塑可分为纪念性雕塑、建筑装饰性雕塑、城市园林雕塑、宗教雕塑、陵墓雕塑、陈列性雕塑。从表现形式来分，雕塑可分为圆雕、浮雕。圆雕是不附在任何背景上，可从四面八方观赏的立体雕塑。浮雕是在平面上雕出凸起的艺术形象。

3、工艺美术

工艺美术是指日常生活用品经过艺术化处理以后，使之具有强烈的审美价值的产品。我们一般把工艺美术分为实用工艺美术和陈设欣赏的工艺美术。实用工艺美术是整个工艺美术的主体和基础，包括衣、食、化、行、用的工艺品类，实用价值是这类工艺品的主要价值，审美价值是作为辅助价值存在的。这类工艺品包括经过装饰加工的茶餐具、灯具、木器家具、绣花制品、草竹编织品等等。陈设欣赏工艺品是指那些以摆设、观赏功能为主的工艺品，这类工艺品以审美为其首要价值，手工技艺性很强，实用价值已不明显或完全消失，如玉器、金银首饰、象牙雕刻、景泰蓝、漆器、壁挂、陶艺等。

4、建筑艺术

建筑是建筑物和构筑物的统称。是人类用砖、石、瓦、木、铁等物质材料在固定的地理位置上修建或构筑内外空间、用来居住和活动等的艺术。建筑艺术则是指按照美的规律，运用建筑艺术独特的艺术语言，使建筑形象具有文化价值和审美价值，具有象征性和形式美，体现出民族性和时代感。以其功能性特点为标准，建筑艺术可分为纪念性建筑、宫殿陵墓建筑、宗教建筑、住宅建筑、园林建筑、生产建筑等类型。 从总体来说，建筑艺术与工艺美术一样，也是一种实用性与审美性相结合的艺术。建筑的本质是人类建造以供居住和活动的生活场所，所以，实用性是建筑的首要功能；只是随着人类实践的发展，物质技术的进步，建筑越来越具有审美价值。 主要分为纯美术和工艺美术。

纯美术包括书法、国画、油画、水粉画、素描、水彩画、版画、雕塑等。

而工艺美术一般为工业设计类艺术，比如产品造型设计、园林设计、广告设计、环境艺术设计，服装设计，陶艺、石艺、瓷器艺术等。

8、水彩画有什么要领吗？

水彩画的特点：

就其本身而言具有两个基本特征：一是画面大多具有通透的视觉感觉；二是绘画过程中水的流动性。由此造成了水彩画不同于其他画种的外表风貌和创作技法的区别。颜料的透明性使水彩画产生一种明澈的表面效果，而水的流动性会生成淋漓酣畅、自然洒脱的意趣。

水彩画的作画技巧：

1、干画法和湿画法

干画法是一种多层画法。用层涂的方法在干的底色上着色，不求渗化效果，可以比较从容地一遍遍着色，较易掌握，适于初学者进行练习。表现肯定、明晣的形体结构和丰富的色彩层次是干画法的特长。但干画法不能只在“干”字方面作文章，画面仍须让人感到水分饱满、水渍湿痕，避免干涩枯燥的毛病。干画法可分层涂、罩色、接色、枯笔等具体方法。

①层涂：

即干的重叠，在着色干后再涂色，一层层重叠颜色表现对象。在画面中涂色层数不一，有的地方一遍即可，有的地方需两遍三遍或更多一点，但不宜遍数过多，以免色彩灰脏失去透明感。层涂象有色下班重叠，事先预计透出底色的混合效果，这一点是不能忽略的。

②罩色:

实际上也是一种干的重叠方法，罩色面积大一些，譬如画面中几块颜色不够统一，得用罩色的方法，蒙罩上一遍颜色使之统一。某一块色过暖，罩一层冷色改变其冷暖性质。所罩之色应以较鲜明色薄涂，一遍铺过，一般不要回笔，否则带起底色会把色彩搞脏。在着色的过程中和最后调整画面时，经常采用此法。

③接色：

干的接色是在邻接的颜色干后从其旁涂色，色块之间不渗化，每块颜色本身也可以湿画，增加变化。这种方法的特点是表现的物体轮廓清晰、色彩明快。

④枯笔：

笔头水少色多，运笔容易出现飞白；用水比较饱满在粗纹纸上快画，也会产生飞白。表现闪光或柔中见刚等效果常常采用枯笔的方法。

湿画法可分湿的重叠和湿的接色两种。

①湿的重叠：

将画纸浸湿或部分刷湿，末干时着色和着色末干时重叠颜色。水分，时间掌握得当，效果自然而圆润。表现雨雾气氛、湿润水汪的情趣是其特长，为某些画种所不及。

②湿的接色：

邻近末干时接色，水色流渗，交界模糊，表现过渡柔和色彩的渐变多用此法。接色时水分便函用要均匀，否则，水多向少处冲流，易产生不必要的水渍。

画水彩大都有干画、湿画结合进行，湿画为主的画面局部采用干画，干画为主的画面也有湿画的部分，干湿结合，表现充分，浓淡枯润，妙趣横生。

2、水分的掌握

水分的运用和掌握是水彩技法的要点之一。水分在画面上有渗化、流动、蒸发的特性，画水彩要熟悉“水性”。充分发挥水的作用，是画好水彩画的重要因素。掌握水分应注意时间、空气的干湿度和画纸的吸水程度。

①时间问题：

进行湿画时间要掌握得恰如其分，叠色太早太湿易失去应有的形体，太晚底色将干，水色不易渗化，衔接生硬。一般在重叠颜色时，笔头含水宜少，含色要多，便于把握形体，以可使之渗化。如果重叠之色较淡时，要等底色稍干再画。

②空气的干湿度:

画几张水彩就能体会到，在室内水分干得较慢，在室外潮湿的雨雾天气作画，水分蒸发更慢。在这种情况下，作画用水宜少；在干燥的气候情况下水分蒸发快，必须多用水，同时加快调色的作画的速度。

③画纸的吸水程度：

要根据纸的吸水快慢相应掌握用水的多少，吸水慢时用水可少，纸质松软吸水较快，用水需增加。另外，大面积渲染晕色用水宜多，如色块较大的天空、地面和静物、人物的背景，用水饱满为宜；描写局部和细节用水适当减少。

3、“留空”的方法

与油画、水粉画的技法相比，水彩技法最突出的特点就是“留空”的方法。一些浅亮色、白色部分，需在画深一些的色彩时“留空”出来。水彩颜料的透明特性决定了这一作画技法，浅色不能覆盖深色，不象水粉和油画那样可以覆盖，依靠淡色和白粉提亮。在欣赏水彩作品时留意一下，会发现几乎每一幅都运用了“留空”的技法。

恰当而准确地空白或宛浅亮色，会加强画面的生动性与表现力；相反，不适当地乱留空，易造成画面琐碎花乱现象。着色之前把要留空之处用铅笔轻轻标出，关键的细节，即或是很小的点和面，都要在涂色时巧妙留出。另外，凡对比色邻接，要空出对方，分别着色，以保持各自的鲜明度。有的初学者把不必要的空的形状空了出来，然后顺沿轮廓涂描颜色，还有的把该空的地方顺沿轮廓空得很死、太刻板，失去生动感。空的既准确又生动，是技巧熟练的体现。在实践中反复练习，就会熟能生巧。 水彩画是艺术实践的一种手法. 由于水彩画颜料比较便宜, 使用方便, 而且色彩感觉也很理想, 所以一般人都乐于使用. 其次, 水彩画本身具有十分迷人的魅力. 它的清爽神俊, 浓淡相宜, 都具备潇洒风雅的格调. 水彩画颜色的透明性,重色彩技法, 干湿技法运用, 使画面显得水乳交融, 带着令人陶醉的特殊风韵, 对观众就像感受爽朗的清风.

作为艺术创作活动的一种形式, 水彩画是艺术情感流露的语言中的一种. 画面中水的渗化作用, 流动的性质, 以及随机变化的笔触, 让人感觉得到那种光波的流动. 这种意境是其他画种难以比拟的.

从字义上来看，所谓的水彩画就是用水作为稀料来专门调合能被水稀释的颜料，所绘制在特别的水彩纸上的图画。由于它们采用的工具与所用材料和制作过程的特点，水彩画与其他各种绘画有着显著的区别。当今随着科技的发展，绘画材料的增多，用水作为稀料的颜料又多了水粉、丙烯、透明水色等。这样我们就得对水彩画的概念重新下定义。从水彩画的特点下定义，水彩画并不单指用水调和颜料这点而言，水彩画有着自己丰富的内涵和一整套与别的画种截然不同的技法。水份多少的控制，水份与颜料的比例，水份在纸上留下的痕迹都成为画面韵律形式及体现的表素。总之，水份是水彩画的生命与灵魂，它起着支配画面效果的主要作用。从两三百年前到现代，水彩画的概念有所拓展，内涵更广，内容更丰富，大大拓宽了原来的含义，认为只用水来调合颜料画在纸上，画面色彩节奏由水份含量来控制就称之为水彩画。因为现代水彩不仅用水彩色，也用水粉色，丙烯色，国画色，透明水色，局部甚至还用油画色、油画捧、油漆、食盐、沙石……等等，也有几种颜料混合使用。总之，水彩画发展的每个阶段的共性就是整个画面的节奏、关系、色彩都是通过水份含量的多少来体现的，画面效果是通过对水份的控制达到的。

水彩画并不是一开始便为人们所认识的，在水彩艺术的早期，人们认为水彩画没有油画那样丰富，缺少美学价值，也没有版画那样的经济价值，是用来速记色彩或勾勒草图，是一种附属、低级的画种。油画优越论占据了人们的心理，水彩画只被看作绘画的偏门末技。

在水彩艺术发展的初级阶段，有很多的水彩艺术家曾借用油画的绘制技巧，他们想以油画技巧提高水彩画的表现能力。但到了后来，水彩画艺术在自己的道路上突飞猛进的时候却是在完全摒弃了油画技法的影响之后，才逐渐形成了一整套完整的独特的技法，从而形成了一种独立的画种。

如今我们在许多优秀的水彩画中，很难再看到修改、揩擦和小毛点彩的痕迹，更少看到油画技法的影子，因为水彩画的特性就是在第一笔中便饱含了自己的特色——颜色纯净、透明、清晰、自然。

水彩画一般分为透明水彩画法和不透明水彩画法两种。透明水彩画法就是用水调和颜料，薄薄的涂画一层，使画面上的色彩清晰明快，具有透明的感觉，不透明画法除清水之外，还可用树胶，使画面色彩更微妙，更柔和。由此可以想到，随着观念的更新、题材和技法等领域的拓宽，水彩画的概念将更加广阔和深远。

9、美术考试应该有怎样的心理

大胆，自信，想拥有这些心理必须：

训练一：整体临摹

临摹是学习绘画艺术的一条捷径。有的学生是因为“形”画不准确，有的是不会塑造，所以我们应该是有目的的去临摹。在临摹的过程中去体会、理解、学习别人好的地方。

训练二：局部临摹：

在我们时间紧缺和局部理解、塑造不透彻的情况下，有目的的去临摹。有的同学会问不知道鼻子怎么画，眼睛怎么画？那就需要去单独临摹，从中学习眼睛、鼻子的塑造方法。这样可以事半功倍还节约了不少时间。

有目的的去画和理解是相辅相成的，在画的过程也是理解的过程。

训练三：课堂写生

写生还是我们学习的主体，我们晚上临摹学习到的东西就可以应用在白天的写生上。还要多角度的练习，通过这样反复的训练。可以在最短的时间迅速提高，以适应不同考试的需要。

训练四：模拟考试

模拟考试是我们一直坚持的一种训练方式，它不仅可以提高学生的专业技能，而且还能让学生心理上适应和习惯考场紧张的氛围。考完要对模拟试卷进行总结和分析，让考生知道自己那些还不足。同时还要让考生记忆一些自己曾经画的好的画。

在报考院校上，并不是所有考生都适合考清美和央美的。考生应客观地根据自己的实际情况，分析出自己的优势和劣势。这个时候我们也会根据学生的专业和文化情况，建议报考适合的院校。这样可以提高考生的升学率，避免考生盲目从众报考。 其实只要你平时功夫下了，画的多了，考场拿出平时八成发挥就行了。这样想就没啥压力和负担还怕不能把自己平时的努力都发挥出来啊。相信你行的，祝你取得好成绩，望帮到楼主给予采纳。